Geskiedenis Podcasts

Detail van die deksel van die houtkis van die dame Tenddinebu

Detail van die deksel van die houtkis van die dame Tenddinebu


We are searching data for your request:

Forums and discussions:
Manuals and reference books:
Data from registers:
Wait the end of the search in all databases.
Upon completion, a link will appear to access the found materials.


Kis van Tanakhtnettahat

Die 21ste Dinastie (1070-945 vC) val binne die Derde Tussenperiode (1070-664 vC), 'n tyd van politieke onrus en ekonomiese krisis. Die weelderige grafte van die Nuwe Koninkryk het verdwyn en is vervang deur eenvoudige, meestal onversierde begrafnisse. Die uitgebreide versiering wat die oorledene sou help in sy/haar reis na die hiernamaals, is oorgeplaas na geneste samestellings van antropoïde kiste. Die kiste van die vroeë 21ste dinastie is van 'n soort wat bekend staan ​​as 'geel kiste', met 'n geel agtergrond, heeltemal bedek met klein tonele wat bekend staan ​​as 'vignette'. Destyds was daar 'n tekort aan sederhout en ander ingevoerde fynbos. Plaaslike hout van minder kwaliteit moes eerder gebruik word en om dit te vergoed, het die vakmanne dikwels die kiste van hierdie tydperk met 'n dik modderlaag bedek, maar sommige van die besonderhede eerder as om dit te sny. Die oppervlak is dan bedek met 'n dun lagie wit gesso of gips, wat dit voorberei het vir die uitgebreide skilderye waarmee dit bedek sou word. Die hele kis is uiteindelik bedek met 'n goudgeel vernis.

'N Goeie voorbeeld van 'n 21ste Dinastie geel kis is die binnekis van Tanakhtnettahat (kortweg Tahat). Tanakhtnettahat was 'n sangster (sanger) in die tempel van die god Amun in Karnak, 'n hoë rang in antieke Egipte. Die kis is tans gehuisves in die Michael C. Carlos-museum aan die Emory-universiteit in Atlanta, Georgia (volgens 1999.1.1.17 A-D). Dit is voorheen in die Niagra Falls-museum in Ontario vertoon en was een van 'n aantal kiste en mummies wat in die middel van die 19de eeu na Kanada gebring is. Die versameling het 150 jaar by die Niagra -valle gebly voordat dit permanent na die huidige plek verskuif is.

Die kis bevat die mummie van die oorledene, wat by die skandering en röntgenfoto's in die Emory-hospitaal gevind is dat haar interne organe ongeskonde was, in teenstelling met die gebruiklike verwydering van interne organe gedurende daardie tydperk. Die redes waarom die interne organe nie verwyder is nie, bly 'n raaisel, maar die swak toestand van die mummie dui daarop dat die mummifikasieproses vinnig uitgevoer is. Die mummie was bedek met 'n mummiebord, vermoedelik 'n ontwikkeling uit die begrafnismaskers van vroeëre periodes, wat soos 'n vlak sekondêre deksel gelyk het en gewild was tydens die 21ste dinastie.

Die deksel van die binnekis en die mummiebord toon beide die oorledene aan met 'n vol pruik, waarvan die lappies in kralebande versamel is, en die bokant van haar kop is versier met 'n filet lotusblomme en kroonblare. Sy dra ronde oorbelle en 'n breë kraag. Die versiering op die kis- en mummiebord bestaan ​​uit mitologiese tonele uit die Book of the Dead, beelde van die kisteienaar wat verskillende gode aanbid en verskillende amuletiese beelde vir die beskerming van die oorledene tydens haar reis na die hiernamaals.

Die kis is veral interessant, want noukeurige ondersoek het aan die lig gebring dat dit deur 'n vrou genaamd Ta-Aset hergebruik is. Dele van die kis is geverf en in een geval is die naam van Tahat vervang met die naam van die nuwe eienaar, Ta-Aset. Hergebruik van kiste was algemeen in hierdie tydperk van ekonomiese ontbering en is selfs deur koninklikes beoefen.

Hierdie samestelling van binnekis, mummiebord en mummie sou in 'n buitenste kis geplaas gewees het, waarvan fragmente in die Musée de Grenoble, Frankryk (agterplaas MG 1997 en fragmente MG 3759 en MG 3760) geplaas kon word. Die inskripsies en versiering op die Grenoble -fragmente is nie verander nie, wat beteken dat die buitenste kis, anders as die binnekis, nooit weer gebruik is nie, waarskynlik omdat dit in die ou tyd reeds in 'n swak toestand was. Volgens die Grenoble -museumwebwerf was die oorspronklike herkoms van die fragmente die Theban Necropolis. Hulle is in 1842 deur Louis de Saint Ferriol in Egipte aangeskaf en in 1916 deur sy seun aan die museum geskenk. Die oorlede elite -vrou is dus heel waarskynlik oorspronklik begrawe iewers in die Theban Necropolis, wat na verwagting is vir 'n vrou wat as gesang van die opperste Thebaanse god, Amun.

Lees die "Kisdeksel van Tanakhtnettahat/Ta-Aset" by die Michael C. Carlos Museum Collections Online vir meer inligting.


Kis Timmerwerk (Deel 2)

Terug vir deel twee! Hierdie prentjie is 'n vreemde hoek, maar ek het die binnekant pers geverf. Ek het gedink dat 'n kleur pret sou wees, en aangesien daar verskillende soorte hout is, sou verf die beste hier werk.

En die pers sal saam met die buitekant van die huis gaan, en die hoë ligte op my rok.

'N Ander vinnige projek wat ek gedoen het, was om 'n bordjie vir die kinders te maak en hulle te vra om net twee snoepgoed te neem. Sou hulle luister? Wie weet. Maar hopelik, as ons op die stoep was, kon ons 'n handjievol gryp beperk.

Ek het 'n klein, oorblywende (en super dun) stuk MDF gesny en dit geverf met die goue verf wat ek op die biblioteek se plafon gebruik het.

Ek het 'n bordjie op die rekenaar gemaak, dit afgedruk en aan die kante gebrand. Dit het my ook laat leer hoe om die rookmelder op die derde verdieping uit te skakel, so dit is 'n goeie vaardigheid! Ek het spuitgom gebruik om dit op die bord te sit.

Ek het daaroor gegaan met 'n bietjie vlek om dit te verouder, en toe het ek die hele ding met 'n poli verby gegaan. Ek is nie van plan om dit weer te gebruik nie (want almal gaan die entstof masker en kry sodat ons almal weer gesond kan wees, nie waar nie?). Maar dit is oulik en maklik vir hierdie jaar!

Ons wou die deksel van die kis veilig oopmaak, so Doug het 'n klein staander gemaak.

Hier is dit binne -in die kis.

Om die deksel vas te maak, gebruik ons ​​'n klavierskarnier, wat meer senutergend was as wat ek gedink het dit sou wees. Laat alles in lyn kom sonder om te mors? Byna net so eng soos my klavier -eindstryd op universiteit. (Ek is 'n vreeslike klavierspeler. Dankie tog dat al my ander musikale vaardighede dit swaarder weeg as ek 'n orkesdirekteur word.)

Ons het soos elke 6de putjie geboor en vasgemaak, en daarna teruggegaan en die middelste ingevul.

En om by sommige van hulle te kom, moes ons 'n buigsame boorpunt gebruik. Dit was 'n stadige werk, maar dit het goed gegaan!

Hier is die pos met plek om die deksel op te hou.

Ek het JAAR gelede hierdie handvatsels gekoop, aanvanklik om op die deure in die kas vir die voorste slaapkamer te gebruik. Aangesien dit komies daaroor sou gewees het, het hulle sedertdien in 'n laai gesit en stof opgaar.

Maar dit is die rol wat hulle wou speel.

Ek het natuurlik die skroewe goud geverf.

Daardie dag was regtig baie mooi.

Ons het hierdie jaar twee nuwe vriende by die huis gevoeg!

Ons het albei gemasker (natuurlik) vir die aand. Om dit met ons kostuums te laat werk, het ek dieselfde masker met dubbellaag gemaak met sak, neusdraad en filter wat ek die hele jaar vasgewerk en gebruik het. Maar ek het kant aan die voorkant bygevoeg.

Die masker daaronder was room, so jy kan miskien maak asof dit my vel daaronder is?

Sonder die masker het ek hierdie jaar 'n rou sluier by my rok gevoeg, in plaas van 'n hoed!

Met die masker en sluier is ek baie bedek!

Vir Doug het ek 'n pesmasker van Etsy af bestel. En hy kon sy masker (ook deur my toegewerk) daaronder dra.

Dit is ongeveer die helfte van die lekkergoed wat ons deurgemaak het. Ons het die aand nog meer as 1 000 kinders deurgebring!

Ons buurman oorkant die straat was gaaf genoeg om 'n paar foto's van ver af vir ons te neem!

Dit was 'n vreemde Halloween. Om op die stoep te sit (of te staan) en nie met mense te kommunikeer nie, het gevoel asof ons dit net op TV kyk. En ons het dit so gemis om ons vriende oor te hê. Maar ons is bly dat ons veilig gebly het, en ons hoop dat almal veilig bly terwyl ons Thanksgiving en Kersfees aandurf.

Ek het ook my TinType-app gebruik om van die foto's outyds te maak. Geniet dit!


Kis van die dame van die huis, Weretwahset, heraangeskryf vir Bensuipet met gesigmasker en oopwerkende lyfbedekking

Kleur speel 'n sleutelrol in geslagstransformasie in die graf. Die voorstelling van hierdie vrou op haar kis met 'n rooi vel, 'n kenmerk wat as manlik beskou word, was 'n magiese ingryping wat haar geslag verander het. Hierdie kis en rsquos rooi gesig, hande en voete het haar met die manlike krag belê om 'n fetus vir haar eie wedergeboorte te skep.

Die geel kartonmasker, wat in direkte kontak met die mummie was, het haar geslagsrol weereens verander. Geel vel verteenwoordig die vel van 'n godin van goud. Nou, teruggekeer na haar oorspronklike vroulike toestand, broei sy die fetus wat deur die man geskep is, kraam in die graf en leef as vrou vir ewig in die volgende wêreld.

Taal het 'n vrou se geslag verander, 'n noodsaaklike stap om haar eie fetus in die kis te skep. In Egipties beteken die woord jy het manlike sowel as vroulike vorms gehad. Die pyltjie in die illustrasie dui op 'n inskripsie wat lees: & ldquoWoorde wat deur Imsety uitgespreek word & hellip Ek beskerm jou. & Rdquo Die god Imsety, wat aan die linkerkant voorgestel word, het hierdie sin uitgespreek met die manlike voornaamwoord vir jy eerder as die vroulike voornaamwoord. Hierdie woorde word vier keer aan die kis- en rsquos -kante herhaal. Daar word geglo dat die wonderbaarlike krag van taal om die werklikheid te transformeer, gebruik kan word om 'n individu se geslag te verander.

Geleerdes het hierdie gebruik lankal bloot 'n grammatikale fout genoem. Feminisme het geleerdes beïnvloed om hierdie Egiptiese praktyk ernstig op te neem deur 'n breër siening van geslag aan te neem, eerder as om die gebruik as 'n fout te verwerp. Meer onlangse geleerdheid erken dat die manlike voornaamwoord op hierdie vrou en rsquos -kis 'n kragtige magie verteenwoordig wat geslagstransformasie veroorsaak het.

Dit sê die antieke Egiptiese vroue se vel is rooi geverf om hulle tydelik mans te maak vir wedergeboorte. My vraag is dat rooi gewoonlik vir mans voorbehou is, maar as dit in vroulike rituele gebruik is, beteken dit nie dat dit vir mans en vroue gebruik is nie? Waarom is die kleure anders? Die muurdidaktiek sê dat Egiptiese vroue 'mans' moes word om hulself vir 'n wedergeboorte te verwek, want daar word geglo dat mans die embrio gedra het. Was daar 'n tweede (vroulike) party in hierdie nadoodse opvatting? Of het die vrou as man haarself alleen gebore? Is dit werklik? Is daar 'n werklike mummie? Of is dit vir versiering? Is daar 'n regte mummie in hierdie kis? Hoe weet ons dat vroue in die dood “verander” is na mans? Is dit alles net vermoedens? Of beteken dit net dat vroue ekstra aandag kry? Nie net rooi verf nie, maar meer verf! Waarom moes die vroue in 'n man verander word om die fetus te skep, maar mans hoef nie vir vroue vir inkubasie verander te word nie? Wie het die broeikas vir die wedergeboorte van 'n man gedoen? Is die mummies werklik duisende jare oud? Is daar een hierbinne? Vertel my meer. Ons is nie seker hoe die wedergeboorte -transformasie plaasgevind het nie. Die plasing van die hand binne en buite is anders. Het dit 'n spesiale betekenis? Wat beteken die versiering om haar nek? Is dit juweliersware wat haar rykdom verteenwoordig? Kan net die koning en sy hof vir hulle kiste skep, of kan almal dit doen? Wat verteenwoordig al die verskillende versierings? Wat is dit? Vertel my meer. Nou, nadat die Weretwahset as 'n mannetjie die hiernamaals betree het, keer sy dan terug na die vrou? Wat is 'n paar van die simbole op die kis? Veral na die onderkant van die kis. Dit lyk soos lus toue? Wat is hierdie simbole? Ek weet die onderkant van die kis is in stukke gebou en bymekaargemaak. Maar wat van die arm en voete van die boonste gedeelte van die kis? Of was die kraak net toevallig? Daar is 5 figure aan elke kant van die kis. Is dit die priesters wat die liggaam verander tydens die towerkuns? Is daar 'n betekenis vir die foto's op die kis van Weretwahset? Wat is die geskiedenis van hierdie kis? Watter kleur was die vrouekiste in Egipte? Wat is hierdie blare? Is dit dieselfde godin wat ek op Teti se kis gesien het? Hou dit enigsins verband met die gebruik van baarde op afbeeldings van ou Egiptiese vroue? Watter god is hierdie? ¿Por qué esta tan rojo? Hierdie uitstalling verduidelik die manier waarop vroue in mans verander het, noem die rooi vel wat simbolies is van man wees. Is die bleek vel op die mummiebord omdat dit nie nodig was vir die magiese proses nie? Is die mummiebord aan die linne vasgemaak of is die bord bo -op die mummie gelê?

Net geskiedenis.

Daar was baie verhale oor waansin in Europese koninklike families. Sommige het selfs, onregverdig of nie, die snik van "die gek" gekry. Europese koninklikes het die kranksinnige familielede egter nie op die mark gelê nie. Hierdie voorbeeld kom na ons toe uit die Koreaanse Cho'son -dinastie, wat Korea sedert 1392 regeer het.

Prins Sado was die kroonprins, wat op 13 Februarie 1735 gebore is as die tweede seun van koning Yeongjo met sy gunsteling byvrou. Sado was die tweede seun van koning Yeongjo en die enigste oorlewende manlike erfgenaam toe sy ouer broer tragies op 9 -jarige ouderdom oorlede is. Daar was groot blydskap oor die geboorte van 'n gesonde seun. Sado se lewe was egter nie net reënboë en rose nie. Sy vader het 'n vreeslike humeur gehad, en as sodanig was Sado van kleins af bang vir hom. Na berig word, is die jong seun redelik skugter rondom sy pa, wat Yeongjo natuurlik meer kwaad vir sy seun gemaak het. Soos met baie beledigende verhoudings, het Sado sy vader verafgod, maar dit lyk asof hy nooit Yeongjo se goedkeuring verkry het nie. Yeongjo was hiperkrities oor enige fout wat Sado gemaak het en het nooit plesier getoon toe Sado daarin geslaag het nie. Sy verhouding met sy ma was nie veel beter nie. Om aan die goeie kant van Yeongjo te bly, was sy meestal daarop gemik om die reëls van die koning te volg oor die verhoging van die kroonprins tot die letter en om elke liefdevolle moederlike verhouding te laat vaar. Soos met sy pa, het Sado sy ma liefgehad en eerbiedig, maar hul verhouding was ook nie baie koesterend nie.

As kroonprins was Sado baie jonk getroud met Lady Hyegyong, die dogter van 'n arm geleerde, maar met 'n indrukwekkende afstamming en kennis. Die bruid en bruidegom was albei ongeveer agt jaar oud. Hyegyong het uiteindelik haar memoires geskryf oor haar lewe aan die koninklike hof en met Sado. Sy berig dat sy baie angstig was om as die vrou vir die kroonprins gekies te word "asof daar 'n voorgevoel was van die talle beproewings en verdrukkinge wat sy in die paleis sou deurmaak". Aangesien die bruidspaar so jonk was, was hul verhouding aanvanklik dié van kindermaats. Hulle het in aparte huise gewoon, en hoewel die hofdames baie gaaf was, was Hyegyong nog steeds 'n agtjarige kind wat in 'n drasties ander situasie beland het. Sy was heeltemal oorweldig. Alhoewel dit lyk asof die twee kinders redelik goed oor die weg kom, kon sy Sado nie werklik ondersteun nie. Hyegyong se pa kon egter inspring en sorg vir die jong Sado wat hy baie ontbreek.

Anderhalf jaar na die huwelik in 1746 het Sado ernstig siek geword. Toe hy herstel, is hy en Hyegyong na 'n nuwe huis verskuif. Die paleis was skynbaar naby sy ma, sodat sy kon help om vir hom te sorg. Hierdie siekte blyk 'n keerpunt vir Sado te wees. Niemand is heeltemal seker waarmee hy siek was nie, maar tydens sy siekte en na sy herstel het Sado se gedrag wisselvallig geword. Daar is nie baie besonderhede hieroor nie, maar berigte sê wel dat Sado ten spyte hiervan ernstig geraak het oor sy studies en atletiek. Die betrekkinge het egter nie verbeter met sy pa nie, en 'n kort tydjie ná sy herstel is Sado en Hyegyong van die hof verwyder sodat Yeongjo hom nie hoef te hanteer nie. Sado het hierdeur nog meer geïsoleerd van sy familie geword.

Nadat Sado op 14 geword het, het hy en Hyegyong begin leef as 'n meer tradisionele man en vrou. Kort daarna het hulle 'n kind gehad wat ongelukkig net tot die ouderdom van 2 geleef het. 'N Nuwe seun is egter 'n jaar later in 1752 gebore. Dit het gelyk of die jong egpaar op soek was. Toe neem Sado se vreemde gedrag 'n draai. Geskiedkundiges bespiegel dat 'n aanval van die masels sy reeds opgewonde toestand vererger het en dat Sato hallusinasies en nagmerries begin kry het. Hy het geglo dat hy die god van donderweer kon sien, en hy het 'n irrasionele vrees vir die hemel gehad. Sado was oortuig dat hy deur sy pa die skuld sou kry vir enige donderstorm wat die land tref. Hy was versot op die magie van Taiost, veral die boek wat bekend staan ​​as die Jade Spine Scriptures. Hy sou ure neem om aan te trek en klere te kies. Hele uitrustings is verbrand as 'n geesoffer. Sy klere het verband gehou met die weer en sou die hemelse gode tevrede stel of ontevrede op grond van kriteria wat hy net kon verstaan. Ten spyte hiervan het Yeongjo Sado in sy plek begin stuur vir meer en meer amptelike pligte, veral dié wat Yeongjo nie wou doen nie. Dit het onder meer toesig gehou oor die marteling van keiserlike gevangenes, wat Sado se geestestoestand nie verbeter het nie.

Nou neem die hofpolitiek hand by. Sado en Yeongjo het sake met hofdames gehad. Gelukkig, verskillende. Dit het egter hul reeds swak verhouding beïnvloed, aangesien Sado twee seuns by sy byvrouens gehad het en Yeongjo twee dogters gehad het. Yeongjo was uiters jaloers op die twee seuns. Om die saak te vererger, het die broer van een van die byvroue van Yeongjo daagliks berigte oor Sado se vreemde gedrag aan Yeongjo gegee, al dan nie versier nie. Dit het alles gebeur toe Sado by die koningin se sterfbed gekom het en deur sy pa begroet is. Yeongjo het vir Sado geskreeu en geskree totdat Sado by 'n venster ontsnap en huis toe gehardloop het. Rondom hierdie tyd het Sado 'n uitgesproke stampel ontwikkel, wat niks anders gedoen het as om sy pa meer te ontstel nie, wat oortuig was dat hy dronk was. By 'n onvergeetlike ontmoeting was Yeongjo besig om Sado te berispe, wat op sy beurt die dienaars begin jaag en slaan. Op die oomblik is die paleis aan die brand gesteek en 'n swanger Hyegyong het skaars met haar lewe en hul jong seun ontsnap.

Vanaf hierdie oomblik was Sado se gedrag gewelddadig en wisselvallig. Hy het die meeste probleme hanteer of ontstel deur dit met geweld aan sy dienaars uit te haal. Toe sy ma sterf, het hy verskeie eunugs geslaan om sy hartseer te hanteer. Hy vermoor nog 'n eunug deur onthoofding, en laat die lyk se kop op 'n stokkie sit, wat hy saam met hom ronddra. Hyegyong berig in haar memoires dat dit die eerste afgesnyde kop is wat sy ooit gesien het. Na bewering was hy 'n reeksverkragter en sou hy hom op enige vrou, diensmeisie of hofdame dwing wat nie dadelik aan sy eise voldoen het nie. Hyegyong berig ook dat hy die paleis sou verlaat en tussen die mense sou loop, maar niemand is seker wat hy gedoen het nie. Hyegyong berig ook dat sy amper 'n oog verloor het nadat Sado haar met 'n skaakbord in die kop geslaan het. Sy was gelukkig toe een van Sado se byvroue doodgeslaan is. As daar 'n stresvolle gebeurtenis of tragedie was, sou Sado dit regkry deur 'n rits knegte dood te maak. Hyegyong sê Sado sê: "Dit verlig my woede om mense of diere dood te maak as ek depressief of op die rand is." Sjoe.

Daar is opgeteken dat Yeongjo vir Sado gevra het waarom hy die misdade gepleeg het, waarop Sado geantwoord het in die rigting van, “ Omdat ek pyn het! U is my vader, maar u het my nie lief nie. ” Hy het ook baie begin drink, wat 'n ernstige oortreding van die Koreaanse samelewing was. Teen 1762 was almal in die paleis- familie of bediende in gevaar. Die lyktotale is onbekend, maar berigte is dat verskeie lyke elke dag weggevoer moes word van die paleis waarin hy was. Dit lyk asof Sado nie eens weet dat hy mense vermoor nie, aangesien hy meestal in 'n halfklaar toestand was. Sado het sy gevaarlike aandag na sy jonger suster gewend, en herhaaldelik probeer verlei en haar daarna verkrag. Iets moes gedoen word.

Op 4 Julie 1762 is Sado voor Yeongjo ontbied. Die kroonprins is van sy titel ontneem en is beveel om in 'n ryskas te kom, wat 'n groot, swaar houtkis was. Die deksel is toegemaak, en Sado het in die warm Julie -hitte laat smelt. Sado het agt dae lank in die bors aangehou, sonder kos of water, en gesterf terwyl hy skree om genade. Sy bediendes en bediendes is ook doodgemaak. Hyegyong let op 'n vreeslike donderstorm op die agt dae as 'n toeval met sy obsessie met die dondergod. Ongelooflik was sy dood 'n idee van sy ma. Sy word in die memoires van Hyegyong aangehaal om vir Yeongjo te sê: 'Aangesien die prins se siekte taamlik kritiek geword het en sy saak hopeloos is, is dit goed dat u uself en die koninklike kleinseun beskerm om die koninkryk in vrede te hou. Ek vra u om die prins uit te skakel, al is so 'n voorstel verregaande en 'n sonde teen die mensdom. Dit sou verskriklik wees vir 'n vader om dit te doen in die lig van die liefdevolle band tussen vader en seun, maar dit is sy siekte wat vir hierdie ramp die skuld moet kry en nie die prins self nie. Alhoewel u hom uitskakel, moet u u welwillendheid inspan om die koninklike kleinseun te red en hom en sy moeder in vrede te laat lewe. " Baie harde vonnis van jou ma. Dit was 'n omstrede optrede by die hof, aangesien Sado se teregstelling destyds die teregstelling van die hele gesin sou beteken. Omdat Sado vermoor is op die manier waarop hy was, word dit as 'n leemte in hierdie reël beskou. Die koning het hom nie doodgemaak nie, Sado is dood van honger. Groot.

Hyegyong het nie selfmoord gepleeg soos destyds gewoonlik vir die vrou van 'n tereggestelde man nie. In plaas daarvan het sy aan die lewe gebly om haar seun en dogters saam met Sado groot te maak. Die teorie is dat sy óf aan die lewe bly om haar man se onskuld aan te dui, óf om te protesteer teen die hantering van die saak deur die koning. In die 19de eeu is daar bespiegel dat Sado se siekte 'n versinsel was om sy moord te dek. Hyegyong het haar memoires geskryf in reaksie op die bespiegeling om die saak eens en vir altyd op te los. Ten spyte van al die verskriklike gedrag, behandel Hyegyong Sado baie simpatie omdat sy besef dat hy geestelik siek was. Sado en Hyegyong se seun, Jeongjo, is postuum deur Sato se lang oorlede ouer broer aangeneem. Ondanks dit alles, het Jeongjo een van die grootste konings van Korea geword. Een van sy eerste dade was om sy pa te begrawe in 'n graf wat geskik was vir 'n koning. Sy graf is nou 'n UNESCO -geskiedenis in 1997.


Hulle het Lord Byron se liggaam in 1938 verdoof en is geskok oor die grootte van sy piel

Om vieruur die middag van 15 Junie 1938 was die deure na die heilige Maria Magdalena gesluit. Binne wag ongeveer veertig mense afwagtend op die opening van die Byron -kluis.

Twyfel verswak die sterkste geloof. Vir 'n geruime tyd was die eerwaarde Canon Barber, predikant van die gemeente Hucknall, besorg oor die lyk in die krip van sy kerk van St Mary Magdalene, Nottinghamshire, nie dié van die digter Lord Byron nie, maar moontlik 'n bedrieër. Wie dit anders kon wees, was hy nie heeltemal seker nie, maar hy het gereeld gewonder of daar in werklikheid 'n lyk in die krip was. Dit was 'n klein twyfel wat groot geword het uit vrae wat deur die vele besoekers aan die gemeente gestel is, wat pelgrimstogte by die digter se (veronderstelde) laaste rusplek kom besoek het. Die vraag wat hom die meeste gepla het: Maar hoe weet u dat hy hier begrawe is?

Toe Byron op 19 April 1826 in Missolonghi, Griekeland, op 36 -jarige ouderdom aan koors sterf, is sy liggaam deur vyf dokters oopgemaak en sy brein en interne organe is verwyder. Wat hulle soek, moet 'n mens wonder, maar die Grieke glo dat 'n deel van hul heldedigter in hul land gehou moet word. Byron se laaste avontuur het hom na Griekeland gebring met die doel om die land te bevry van hul Ottomaanse heersers. Die gedagte om 'n tasbare simbool van die digter te hê, sou genoeg wees om die Grieke te inspireer om verder te veg.

Terug in Blighty was daar twis oor waar die digter begrawe sou word. Westminster Abbey het geweier op die grond van Byron ’s “ twyfelagtige moraliteit. ” Na 'n paar weke se onderhandelinge is die lyk uiteindelik teruggestuur na Engeland, gebalsem in 'n bak met handelsmerk, vir die begrafnis by die Church of St. Mary Magdalena.

Vroeg in 1938 vertrou Canon Barber die kerkhoof AE Houldsworth oor sy bedenkinge en spreek hy sy voorneme uit om die Byron -kluis te ondersoek en alle twyfel uit te klaar oor die begraafplaas van die digter en 'n verslag op te stel van die inhoud van die kluis . ”

Canon Barber het aan sy plaaslike parlementslid geskryf om toestemming van die binnelandse kantoor om die krip oop te maak. Hy het ook aan die oorlewende lord Byron, wat destyds predikant van Thrumpton was, geskryf en toestemming gevra om die gesinskluis binne te gaan. Die predikant het sy toestemming gegee en het sy vurige hoop uitgespreek dat 'n groot familie -skat saam met sy voorouers ontdek sou word en na hom terugbesorg word. ”

Om vieruur die middag van 15 Junie 1938 was die deure na die heilige Maria Magdalena gesluit. Binne wag ongeveer veertig mense afwagtend op die opening van die Byron -kluis. Volgens aantekeninge wat deur Houldsworth geskryf is, was onder die aanwesiges:

Eerste Canon Barber en sy vrou
Mnr Seymour Cocks LP
N. M. Lane, bisdom landmeter
Mnr Holland Walker
Capt & amp; mev McCraith
Dr Llewellyn
Mnr & mev G. L. Willis (predikant en bewaarder)
Mnr & Mev c. G. Campbell bankier
Claude Bullock, fotograaf
Mnr Geoffrey Johnstone
Mnr Jim Bettridge (kerk brandweerman)

Die ander was nie aan Houldsworth bekend nie.

Teen ses en dertig kon messelaars die groot plaat bokant die kluis verwyder. Dr Llewellyn het 'n mynwerker se veiligheid in die opening laat sak om die lug te toets. Die eerste aansig van die gewelf het aan die lig gebring dat dit 'n verbasend klein gebied is met twee sierlike kiste.

Uit 'n verre lig was die twee kiste in 'n uitstekende toestand. Hulle is elkeen oorheers deur 'n kroon en die kroon op die middelste kis het ses bolle op lang stingels gedra, maar die ander kroon is blykbaar beroof van die silwer bolle wat oorspronklik op kort stamme naby die rand vasgemaak was.

Die kiste was bedek met pers fluweel, nou baie verbleik, en sommige van die handvatsels is verwyder. By nadere ondersoek is die middelkis van die dogter van Byron, Augusta Ada, Lady Lovelace, onthul.

Aan die voet van die trap, wat op 'n kind se hoofkis rus, was 'n kis wat, volgens die inskripsie op die houtdeksel en op die kis binne, die hart en brein van Lord Noel Byron bevat. Die gewelf bevat ook ses ander loodskulpies, almal in 'n aansienlike toestand van ontbinding, en die onderste kiste in die lae word amper platgeslaan deur die geweldige gewig daarbo.

Lord Byron op sy sterfbed, Joseph-Denis Odevaere, c. 1826

Die kis van Byron ontbreek die naambord, koperversierings en fluweelbedekking. Dit het stewig gelyk, maar was sag en sponsagtig om aan te raak. Houldsworth het 'n beroep op Johnstone en Bettridge gedoen om die deksel op te lig. Binne was 'n loodskulp. Toe dit verwyder is, was nog 'n houtkis binne -in sigbaar.

Nadat ons dit opgehef het, kon ons die liggaam van Lord Byron sien, wat in 'n uitstekende toestand was. Geen ontbinding het plaasgevind nie en die kop, bolyf en ledemate was taamlik stewig. Die enigste dele wat geraamteliseer is, was die onderarms, hande, onderste skene, enkels en voete, hoewel sy regtervoet nie in die kis gesien is nie. Die hare op sy kop, lyf en ledemate was ongeskonde, alhoewel grys. Sy geslagsorgaan toon 'n redelik abnormale ontwikkeling. Daar was 'n gat in sy bors en agter in sy kop, waar sy hart en brein verwyder is. Dit word in 'n groot urn naby die kis geplaas. Die vervaardiging, ornamente en meubels van die urn is identies aan die van die kis. Die gebeeldhouwde medalje op die kerk se koormuur is 'n uitstekende voorstelling van Lord Byron soos hy nog in 1938 verskyn het.

Detail uit 'n litografie van Lord Byron en Marianna Segati - en die vrou van sy verhuurder in Italië en sy minnaar

Sommige het beweer dat Byron 'n enorme ereksie gehad het. In die sewentigerjare het Houldsworth aan 'n plaaslike koerant gesê dat Byron se penis net so groot en so lank as 'n ponie was. voor terugkeer (sonder twyfel in skok en ontsag) aan die kerk hierbo. Daar word geen melding gemaak van hoe die vroue gereageer het nie. Houldsworth het later ook aan een van Byron se biograwe, Elizabeth Longford, geskryf dat die digter die onderbeen ontbreek en dat die een met die klubvoet onder in die kis was.

Ongelukkig het die teenwoordige fotograaf geweier om foto's van die lyk van Byron te neem uit vrees vir heiligmakingwel, dit was sy verskoning. Hy het egter 'n foto geneem van die twee kiste wat in die ds. Canon Barber ’s se boek verskyn het Byron en waar hy begrawe word in 1939.

Detail uit 'n potloodportret van Lord Byron (ongedateer, ca. 1820's), geteken met 'M.B.', 'n afskrif na G.H. Harlow. New York Openbare Biblioteek


Voortydige begrafnis en die bisarre maniere om dit te voorkom

Terwyl baie mense vandag tapofobie ervaar, of die vrees om lewendig begrawe te word, was die dreigement van voortydige begrafnis meer werklik vir mense gedurende die donker dae van medisyne. Gedurende die 18de tot die 19de eeu en tot in die 20ste eeu het die besorgdheid om begrawe te word, deurdring in die gemoedere van die lewendes, wat gelei het tot interessante voorskrifte wat uitgevoer moet word by die dood wat in laaste testamente en testamente geskryf is. In daardie dae het dokters of nie-medies opgeleide mense wat verantwoordelik was om iemand dood te verklaar, dikwels nie die kundigheid gehad om die verskil te bepaal tussen 'n lyk en 'n persoon wat ly aan katalepsie of 'n soortgelyke verlamming of iemand wat in 'n koma verval het nie. 8

Gedurende die somermaande, toe die temperature hoog was, was dit algemeen om die liggaam binne vier en twintig tot twee en sewentig uur te begrawe. Hierdie vinnige begrafnis voor die bekendstelling van moderne balsemingsmetodes was om te voorkom dat die liggaam ontbind in die huis waar die begrafnis gewoonlik gehou word, wat ongetwyfeld 'n onaangename omgewing vir rouklaers sou veroorsaak. Tydens epidemies was dit selfs meer waarskynlik dat iemand per ongeluk begrawe sou word weens die gejaag na siek lyke. Sommige siektes, soos cholera, het die slagoffer met 'n uitgeteerde, vermorsde voorkoms gelaat wat as 'n sterfgeval beskou kan word.

Die werklike aantal mense wat tussen die 1800s-1900's lewend begrawe is, bly 'n raaisel, maar daar is 'n aantal gevalle wat goed bekend gemaak is en die grusame besonderhede wat in koerante en mond-tot-mond-boodskappe daaroor oorgedra is, was genoeg om die bekommernisse aan te wakker van die massas. Hier is 'n paar rekeninge wat in die Verenigde State plaasgevind het.

Op 10 Januarie 1884 gaan Anna Hockwalt van Dayton, Ohio, af na die kombuis nadat sy aangetrek het op die dag van haar broer se troue net na 6:00. Sy is kort daarna dood en dood gevind, sit in 'n stoel met haar kop teen die muur leun. Die troue het voortgegaan en haar dood was vasberade as gevolg van 'n simpatieke hartklopping gekombineer met Anna se natuurlike senuweeagtigheid. Anna is begrawe in Woodland, maar haar vriende was bang dat sy lewendig begrawe sou word omdat haar ore die vreeslike bleekheid van die dood ontbreek. Hulle het hul vermoedens gedeel met Anna ’s se ouers, wat haar uiteindelik laat skei het. Toe haar kis oopgaan, was dit 'n aaklige gesig. She was on her right side, her fingers chewed to the bone, and her hair pulled from her head. Attempts were made to conceal the news of Anna’s living burial, but by early February the secret was out. 9

J. Jenkins of Asheville, North Carolina, who had been ill for several weeks and finally showed the signs of death in January 1885. No pulse could be detected, he stopped speaking, he was unable to be awakened, and his skin became cold. He was buried even though people noticed that his body never became stiff. In February his family wanted to move the body to a different cemetery and when they opened the casket to see if a metallic burial case was needed for the move, they were met with a scene similar to the one of Anna Hockwalt. Jenkins’ body was turned over, his hair had been pulled out, and the inside of the wooden casket were scarred with the scratch marks where he’d tried to claw his way out. 3

Chicago’s John Burke was buried in 1890 even though noises were heard from his coffin as it was being lowered into the grave. Several days later his grave was opened to check if he had actually been dead when buried. John’s “body twisted, features distorted tongue bitten nearly in two finger nails imbedded in the flesh, and every indication that a struggle had taken place.” 6

Catherine Boger from the village of Morrison’s in Pennsylvania fell ill in 1893. It was believed that she had died and Dr. Willard determined that she had expired based on her no longer showing any signs of life and the “diaphanous test” in which he held an intense light to her hand to observe if there was a scarlet line. Sometime after her burial someone approached Catherine’s husband, suggesting that she had been prone to hysteria and could have been buried alive. Mr. Boger became a “raving maniac” and finally convinced his friends to dig up the grave. Upon opening her coffin they found that Catherine’s glass lid was broken, her body turned over, her hair mussed, and her skin and clothing were ripped during her struggle to free herself from the grave. 2

Wealthy New Yorker James Rigely was buried at Pendleton in February 1899 after being in a “trance state” for three days. He had taken out several life insurance policies, which prompted an autopsy request to ascertain his cause of death. “The glass covering the casket was broken and the distorted features of the corpse, the position of his hands and feet, together with a number of blood spots on his face, showed that he was buried alive.” 10

The fear of being buried alive was so intense for some that they made provisions in their wills to prevent such a burial. Author Harriet Martineau originally wanted her head removed, but later changed that directive to instead sever her jugular vein. Actress Ava Cavendish and Edmund Yates also wanted their jugular veins cut before burial. 5 Hans Christian Andersen carried a card that he placed in hotel rooms while traveling which read, “I am not really dead”. Shortly before his death Andersen asked a friend to sever his arteries if he was ever declared dead, just to be on the safe side. Bishop Berkeley wanted his corpse to remain unburied for five days until it was “offensive by the cadaverous smell.” excursions Lady Burton, the spouse of the explorer Sir Richard Burton, wanted a needle stuck through her heart upon her death. 4

These special provisions to guard against being buried alive weren’t limited to public figures. One account of a private citizen with a similar request involves George Fay of New Jersey who was so troubled by nightmares about being buried alive that he asked his family to hold off on burying him until he was obviously beginning to decompose and then a dagger should be thrust through his heart and then left in his chest. His family carried out his wishes, keeping his corpse above ground for two weeks before stabbing him through the heart and burying him. 1 Former Boston attorney Alfred Giles believed that death was gradual and took place over a long period of time. He created a mortuary room behind a closet in his home where he wanted his body to remain until it had decomposed, which he claimed could be forty or more days. During that time, friends and family (not just an undertaker) would tend to the corpse. 7 To read the complete article about Mr. Giles’ fear of being buried alive, visit Misc. Tidings of Yore.

This post is by no means an exhaustive study of premature burial. I plan on writing more in the future on the topic to include coffin innovations, burial reform, and steps taken by government officials and societies to prevent live burials from occurring. In the meantime, look alive!


Middle Byzantine secular art

For many of us, “Byzantine art” evokes gold icons with sacred figures or splendid church interiors. But the Byzantines also created art and architecture with no religious imagery and without explicit religious functions in mind.

Religious vs. secular?

Admittedly, classifying medieval art in tidy categories of the “religious” or “secular” is a bit anachronistic, especially in the arts of the Byzantine court, where religious and political elements were often seamlessly blended. Byvoorbeeld, die Book of Ceremonies, compiled in the 10th century, describes the elaborate protocols that shaped life in the Byzantine palaces, and many—such as the coronation of a new emperor or empress—involve aspects that we would today call both religious and political.

Die Book of Ceremonies describes the patriarch (a bishop who was the highest-ranking church official in Constantinople) crowning the emperor in the cathedral of Hagia Sophia:

[The patriarch] says a prayer over the ruler’s imperial crown, and having completed it, the patriarch himself takes the crown and places it on the ruler’s head. Immediately the people cry out, “Holy, holy, holy! Glory to God in the highest and peace on earth,” three times. Then: “Many years to so-and-so, great emperor and sovereign!”

The patriarch crowning emperor Constantine II, in the Madrid Skylitzes, between 1126 and 1150? (Biblioteca Nacional de España, Vitro. 26-2, fol. 114v)

An image in the twelfth-century Madrid Skylitzes, which shows the patriarch crowning emperor Constantine II, offers us a glimpse of what such a coronation event might have looked like. Such texts and images demonstrate that the sacred and secular often mingled in Byzantium. Acknowledging this, let us nevertheless consider Middle Byzantine “secular” artworks that display non-religious images and motifs.

Emperor Alexios V (Österreichische Nationalbibliothek Cod. Hist. gr. 53, fol. 291v)

Silks

Manuscript illuminations show the gorgeous silk ceremonial garb of the court, as seen in this depiction of emperor Alexios V , whose brief reign ended with the Fourth Crusade‘s conquest of Constantinople in 1204. The emperor wears deep purple silk, not decorated with religious motifs, but with white medallion patterns that display a griffin at the center. Similar textiles survive, including an example at the cathedral treasury in Sion, Switzerland.

Byzantine silk with paired griffins in roundels, 11th century, Valère Basilica, Sion, Switzerland (photo: Wikimedia Commons, CC0)

Although brownish-looking now, chemical analysis shows this Byzantine textile once had the rich purple hue seen in the manuscript since the silk was dyed with “murex,” an extremely expensive purple dye whose use was tightly restricted to the highest echelons of Byzantine society. The shared griffin imagery on both the manuscript illumination garment and Sion textile is typical of luxury goods, which often featured exotic and fictive creatures. The griffin is a mythical creature with the head and wings of an eagle, the body of a lion, and sometimes a snake for a tail, which originated in the ancient world and appears in the arts of many cultures.

Ceramics

A menagerie of strange beasts also populates Byzantine ceramics. A twelfth-century plate, recovered from a medieval shipwreck, shows a cheetah attacking a deer.

Plate with cheetah attacking a deer, mid-12th century, glazed earthenware with sgraffito decoration (Nea Anchialos Archaeological Collection, photo: National Gallery of Art)

Other Byzantine ceramic vessels featured abstract ornaments or even scenes from popular stories, such as this thirteenth-century plate that might render a scene from the tales of Digenis Akritis which roughly translates as “biracial border lord.” The Digenis Akritis is a Byzantine poem of the twelfth century that narrates the exploits of a fictional hero of Byzantine and Arab descent named Basil on the eastern frontier of the Byzantine empire.

Plate with lovers, first half of 13th century, probably from northern Greece or eastern Thrace, glazed earthenware with champlevé decoration (Archaeological Museum of Ancient Corinth, photo: National Gallery of Art)

The plate shows a woman perched on the lap of a young man. It includes details such as the rabbit on the right, which broadcasts the amorous intentions of the central figures, since this animal symbolized fecundity and sex to its medieval audience.

Ivory Boxes

A similar playfulness is seen in the imagery of Middle Byzantine ivory and bone boxes, or caskets, of which over forty survive. Additional panels also survive, detached from boxes that are now lost. While some caskets display Biblical figures such as Adam and Eve, many instead portray an eclectic array of figures that seem calculated to delight rather than edify.

Veroli Casket, 950–1000 C.E., Constantinople, wood overlaid with ivory and bone, traces of gilding and paint (Victoria and Albert Museum, London, photo: Steven Zucker, CC BY-NC-SA 2.0)

The tenth-century Veroli Casket includes scenes from classical mythology such as the hero Bellerophon with his winged horse Pegasus.

Detail van Veroli Casket, 950–1000 C.E., Constantinople, wood overlaid with ivory and bone, traces of gilding and paint (Victoria and Albert Museum, London, photo: Steven Zucker, CC BY-NC-SA 2.0)

Strips of ivory decorated with rosettes, which frame the scenes on the Veroli Casket, are another common characteristic of such boxes. Carved pieces of bone and wood attach to a wooden armature, which come in a few standard shapes. Earlier scholarship assumed these lavish works were made for women, but there is no imagery or other evidence that suggests they were seen as particularly feminine. Instead, what is clear is the use of classical, pagan imagery to signal the erudition and status of the owners, who may have used such boxes to store a range of precious objects.

Bowl, 11th–12th century, enameled and gilded glass, 17 x 33 cm (with handles) (Treasury of San Marco, Venice, photo © Regione del Veneto)

San Marco bowl

An exquisite tenth-century glass bowl now in Venice’s San Marco illustrates another way the classical is rendered in Middle Byzantine art.

Detail of bowl, 11th–12th century, enameled and gilded glass, 17 x 33 cm (with handles), Treasury of San Marco, Venice (photo © Regione del Veneto)

Warrior placing wreath around column, carnelian ring stone, 3rd–2nd century B.C.E., Italic, carnelian, 1.4 cm high (photo: The Metropolitan Museum of Art, CC0)

Various attempts have been made to connect the imagery on the San Marco bowl with specific classical myths, identifying such figures as Dionysus, Hermes, and Mars. But none of those explanations have ultimately been persuasive. The elegantly-posed nudes on the bowl, pictured in dramatic contrast with the dark enamel background, convey a loose sense of the classical rather than recounting a specific myth. A medieval audience would have recognized this object to be of the highest quality in terms of workmanship and value, and the classicizing rendering of figures, which vaguely allude to mythological scenes, further enhanced its status. Perhaps the scenes were inspired by ancient carved gems—such as this carnelian ring stone at The Metropolitan Museum of Art—which similarly show vignettes in silhouette?

Like the Veroli Casket and the Paris Psalter, the San Marco bowl has been attributed to the so-called “Macedonian Renaissance,” a phase of Middle Byzantine art soon after the end of Iconoclasm in which classical subject matter and a more naturalistic style were preferred by patrons of the Macedonian imperial family.

This bowl also references contemporary luxury goods from the Islamic world that were circulating around the eastern Mediterranean at this time. Around the inside of its rim and exterior of its base, the bowl displays pseudo-Arabic inscriptions. These are an imitation of a Kufic script, but they are not actual, readable texts. Alicia Walker has theorized that these classicizing figures and pseudo-Arabic inscriptions indicate that this vessel may have been used for divination , which was associated with ancient gods and eastern cultures. [1] But the significance of these non-Christian motifs remains uncertain.

Detail of bowl, 11th–12th century, enameled and gilded glass, 17 x 33 cm (with handles), Treasury of San Marco, Venice (photo © Regione del Veneto)

Even after the end of the Byzantine Iconoclastic Controversy that raised religious concerns over images, Byzantine artists and patrons continued to use and enjoy many kinds of non-religious images and subject matter. Sometimes this imagery overtly connected to classical mythology or medieval folktales, but other times—as with creatures both fictive and real—the imagery did not come from a specific story but was derived from a broader visual culture shared around the eastern Mediterranean in both Christian and Islamic artworks.

[1] Alicia Walker, “Meaningful Mingling: Classicizing Imagery and Islamicizing Script in a Byzantine Bowl,” The Art Bulletin 90.1 (March 2008): 32–53.

Additional resources

Eunice Dauterman Maguire and Henry Maguire, Other Icons: Art and Power in Byzantine Secular Art (Princeton: Princeton University Press, 2007).

Constantine Porphyrogennetos, The Book of Ceremonies, 2 vols., trans. Ann Moffatt and Maxeme Tall (Canberra: Australian Association for Byzantine Studies, 2012).

Alicia Walker, “Meaningful Mingling: Classicizing Imagery and Islamicizing Script in a Byzantine Bowl,” The Art Bulletin 90.1 (March 2008): 32–53.


Humanizing a Museum’s Ancient Mummies

“The story of mummification begins with a person’s death,” starts the Mummies exhibition now at the American Museum of Natural History (AMNH) in New York. And each of the long-deceased Peruvian and Egyptian people are treated as individuals, even as they’ve become museum objects in their afterlives. The traveling show is developed from the collections of the Field Museum in Chicago, with 18 featured mummies.

A “false head” that would have sat on a Chancay mummy from today’s Peru (photo by John Weinstein, 2015 The Field Museum)

Co-curated by David Hurst Thomas, AMNH curator of North American archaeology, and John J. Flynn, AMNH curator of fossil mammals, Mummies presents the artifacts of interment as portals to the moment of burial, revealing ancient relationships with death. And the display of the mummies in this exhibition closely mirrors current practices in museums of Peru and Egypt. No photography is allowed (and you’ll notice none of the Peruvian bundles in these press images), loud voices are hushed it’s a contrasting experience to, say, the frenzy around the Egyptian mummies at the British Museum.

“Our policy on the display of human remains states that where human remains are exhibited, they will be displayed in a culturally appropriate, sensitive, and informative manner, and always accompanied by explanatory and contextual interpretation,” Ryan Williams, curator of archaeological science at the Field Museum, told Hyperallergic. “Display of human remains will only be made in accordance with the values of the relevant community and/or in accordance with appropriate museum practice. In Peru and Egypt, mummies are widely displayed in national and community museums and we know from ethnohistoric sources that mummies were publicly displayed as honored ancestors in Peru in some of their original cultural contexts.”

This is the Field Museum mummies’ first time on tour (aside from their initial journey to Chicago). The Peruvian and Egyptian traditions which are separated on two sides of the exhibition represent two of the world’s oldest mummy-making practices. South America’s mummies are much older, going back to the Chinchorro culture of 5,000–2,000 BCE. This is deliberate preservation of the dead, as opposed to just tumbling into a bog or being buried in a dry desert. The Peruvian mummies, their limbs bent to their chests, were usually topped with a false head, sometimes a clay mask formed from the face of the corpse the Egyptian mummies were reclined with arms crossed and cocooned in several secure, ornately-decorated coffins.

Although both cultures deliberately preserved the decaying body, by de-fleshing bones or embalming, the relationship with these corpses was very different. A diorama in Mummies of a Chancay burial pit has containers of food and chicha beer made from corn, with a nearby case showing examples of these vessels molded like people offering the dead a drink. These were regularly refreshed by the deceased’s family, whose members would periodically bring the mummies up to the surface to attend festivals. A 1440–1665 CE model found at Huaca de la Luna, Peru, exhibited in the recent Design for Eternity: Architectural Models from the Ancient Americas at the Metropolitan Museum of Art, featured three tiny mummies presiding over a Chimú palace ritual.

Chicha (corn beer) pots, which were buried with mummies along with other food. The vessels’ figures hold tiny cups, as if offering the dead a drink (photo by John Weinstein, © 2015 The Field Museum)

In Egypt, mummifying the dead was an industry, with coffin makers and professional embalmers who took over the funerary rites from the families. Sarcophagi were painted and gilded, tombs with heavy lids were built. Once placed in their elaborate tombs, surrounded by their grave goods, the dead were sealed away for eternity. While in Peru the living continued a physical relationship with the dead, in Egypt they were sent off with provisions for the next existence.

A reflective tone pervades the low-lit galleries, where Peruvian mummy bundles and Egyptian mummies with gilded faces are arranged in glass and wood cases. Alongside are “touch tables” where recent CT scans allow viewers to pull back the wrappings, whether on a mummified Egyptian gazelle or a Peruvian woman with a newborn, something that in the past would have been physically done by archaeologists. Offerings and amulets are revealed through 3D scans, offering a tactile connection to the artifacts.

Installation view of Mummies, with a Greco-Roman coffin lid for a woman (© AMNH / C. Chesek)

Mummies was developed as the first of the Field Museum’s Opening the Vaults series of exhibitions that feature old collections and cutting edge research and technology,” Jaap Hoogstraten, director of exhibitions at the Field Museum, told Hyperallergic. “Many of the mummies on exhibit haven’t been displayed publicly since the 1893 World’s Columbian Exposition in Chicago and we felt that the historic, early 20th-century cases intuitively communicate that these are old collections.”

CT scanning and subsequent 3D imaging of a wooden coffin of an ancient Egyptian teenage boy, showing the coffin was too big for him (© The Field Museum)

Christopher Heaney at the History of Anthropology Newsletter published an article earlier this year on the 1893 display of the Peruvian mummies at Chicago’s world’s fair, noting it included an “ancient Peruvian burial ground” populated with numerous burial bundles and associated artifacts. These were divided between the Field Museum and Harvard’s Peabody Museum of Archaeology and Ethnology following the Exposition’s close. Significantly, these mummies were excavated and curated by George A. Dorsey, who was the first American to receive a PhD in anthropology in the United States. Often in this early era of display, the mummies were completely exposed. The Internet Archive has a digitized guide to AMNH from 1911, showing an unwrapped Peruvian mummy and two intact bundles, along with a map directing visitors to “shrunken human heads” and the “mummy of a copper miner” in a “South American Indians” gallery.

One of the first mummies Mummies visitors encounter is an older man with bared teeth and skin, a label explaining that a century ago, archaeologists unwrapped his bundle and detached his head in the process. These disassemblies could be more spectacle than research, such as the infamous Victorian mummy unwrapping parties, or a hazard of grave robbing, as with an Egyptian mummy on view whose coffin was broken in a search for valuables. Sometimes unraveled mummies were even ground into pigment. However with the emergence of non-invasive imaging, at least mummies were more protected in the realm of science, and Mummies shows how researchers have been early adopters of technology.

Mummy and a CT scanner in Mummies (© AMNH / C. Chesek)

Egyptologist Flinders Petrie examined mummy extremities with the X-ray in 1897, only a couple of years following Wilhelm Röntgen’s first X-ray photograph of his wife’s hand, and by 1931 Roy Moodie was systematically X-raying the Egyptian mummies at the Field Museum. Later in 1977, a mummy was studied with a CT scanner, four years after the technique was introduced. Nou Mummies visitors can witness the Roman-era Egyptian “Gilded Lady,” so named for her golden headdress, and also know she was a woman in her forties with curly hair and an overbite, who possibly died of tuberculosis. DNA analysis and facial reconstructions are continuing to expand the knowledge of the past through these remains.

Museums have been slow to return indigenous human remains from their collections, although the tide is shifting with major repatriations like the Spirit Cave mummy to the Fallon Paiute-Shoshone Indian Tribe. Even if mummies are being exhibited sensitively, and respectfully of their cultures, it can be a complicated thing to argue that in 2017 we still need to see the bones, the wrappings, the angles of bodies bound by fabric. Yet the Mummies exhibition is surprisingly compelling in its empathy for the past. One recent conservation discovery is a drawing of the Egyptian goddess Nut on the interior of a coffin, as if the dead were reclining into her protective arms. Mummies closes with an illuminated 3D reconstruction of a man who lived in ancient Peru, with text stating: “The dead have more to tell us. We’re finding new ways to listen.” The mystery of the mummies is not only what is beneath the cloth, but who they were as people, and that affirmation in contemporary displays is essential.

The “Gilded Lady,” a well-preserved mummy from Roman-era Egypt (photo by John Weinstein, © 2015 The Field Museum)

The “Gilded Lady” CT scan, showing she was a woman in her forties with curly hair and a slight overbite (© The Field Museum)

Detail of paintings of the sky goddess Nut (the woman with outstretched wings) and the Sons of Horus (the four animal-headed figures) on the mummy of a 14-year-old Egyptian (photo by John Weinstein, 2015 The Field Museum,)

Mummified gazelle from Egypt (photo by John Weinstein, © 2015 The Field Museum)

An Egyptian plain red coffin, with the paint worn away exposing its wood grain and construction seams (© AMNH / C. Chesek)

Detail of a coffin from the late 25th Dynasty or early 26th Dynasty of ancient Egypt, showing the god Thoth holding the hand of a just deceased man, who is introduced to Osiris, god of the underworld, with the lower band showing the deceased being embalmed by Anubis (photo by John Weinstein, © 2015 The Field Museum)

Mummies continues through January 7, 2018 at the American Museum of Natural History (Central Park West at 79th Street, Upper West Side, Manhattan).


Die Paris Psalter

Why would a Biblical king surround himself with pagans? Die Paris Psalter embodies a complex mixture of the classical pagan past and the medieval Christian present—all brought together to communicate a political message by the Byzantine emperor.

The Byzantine Empire, which ruled areas of the eastern Mediterranean from the fourth through fifteenth centuries, left a dazzling visual legacy that has influenced other medieval Christian and Islamic societies as well as countless artists in our own time.

What is a psalter?

The word “Psalter” in the name of this manuscript is the term we use for books and manuscripts of the Hebrew Bible’s Book of Psalms. Psalters were one of the most commonly copied works in the Middle Ages because of their central role in medieval church ceremony.

The images

David Glorified by the Women of Israel, van The Paris Psalter, c. 900 C.E. 14-1/8 x 10-1/4″ / 36 x 26 cm (Bibliothèque nationale de France)

This work was unusually large and lavishly illustrated, with 14 full-page illuminations included in its 449 folios (a folio is a leaf in a book). Eight of these images depict the life of King David, who was often seen as a model of just rule for medieval kings. Because King David was traditionally considered the author of the Psalms, he is shown here in the role of musician and composer, sitting atop a boulder playing his harp in an idyllic pastoral setting.

This manuscript so carefully follows models from prior centuries that scholars once thought it was made during the reign of the Byzantine Emperor Justinian in the sixth century. Only later did research demonstrate that the Paris Psalter was actually made in the tenth century as an exquisite imitation of Roman work from the third to fifth centuries—in other words, it was part of an intentional revival of the Classical past. Classical style, as a general term, refers to the naturalistic visual representation used during periods when, for example, the Roman emperors Augustus and Hadrian ruled.

Classical revival

The period of classical revival that produced the Paris Psalter is sometimes called the Macedonian Renaissance, because the Macedonian dynasty of emperors ruled the Byzantine Empire at the time. This classical revival followed Byzantine Iconoclasm. The notion that this Byzantine revival of the Roman past was a Renaissance, in the sense of a full-scale revival of classical thinking and art such as in the Italian Renaissance, has been questioned. However, there is no doubt that we see in this, and other contemporary works, a conscious appropriation of elements of the classical artistic vocabulary.

Thus we have the conundrum of the Biblical David encircled by classical personifications (a figure that represents a place or attribute). In this example, the seated woman embodies the attribute of Melody. David’s seated posture with his instrument is likely based on the classical tragic figure Orpheus, usually shown similarly positioned holding his lyre. Likewise the hazy buildings in the background also belong to the Greco-Roman tradition of wall painting. The meaning of the personifications such as the woman, Melody, perched beside David, is intriguing—within the medieval Christian context she presumably has now become a symbol of culture and erudition as opposed to her earlier significance as a minor deity in the pagan classical world.

Notice how the surroundings including plants, animals and landscape differs from the resplendent gold backgrounds used in the imperial mosaics of Justinian and Theodora at Ravenna or the icon we call the Vladimir Virgin. In contrast, David is depicted naturalistically as a youthful shepherd, rather than the grand king he was to become. The classicizing, more realistic style of the figures and the landscape coupled with the overt classical allusions made by the personifications show the pains taken to render a coherent vision uniting subject and style.

Rape of Europa (detail, lid), Veroli Casket, second half of the 10th century, wood overlaid with ivory with traces of polychrome and gilding (Victoria and Albert Museum)

Connecting with great emperors of the past?

Other Byzantine art from the so-called Macedonian Renaissance, such as the ivory Veroli Casket (above), also show a renewed interest in classicism that called upon Late Roman artistic models. The patron of the Paris Psalter perhaps sought to liken himself this way with great emperors of the past by reviving a style that had been out of favor for hundreds of years and perhaps evoked a “golden age.” Choice of artistic style could function as a tool for conveying meaning within the sophisticated Byzantine society at the time.

Die Paris Psalter was produced in Constantinople, today known as Istanbul, and takes its name from its modern location, Paris’ Bibliothèque Nationale. Die Paris Psalter manuscript, like most western medieval manuscripts, was not made from paper, but from carefully prepared animal skins. Medieval manuscripts were far more rare and precious than mass-produced modern printed books. Large-scale examples, such as this, made for an aristocratic if not imperial patron, show how Biblical art of the highest craftsmanship could serve many purposes for its medieval audience and patrons.


Kyk die video: de deksel van de box (Junie 2022).